Le Nostre Produzioni

di Annibale Ruccello

con Daniele Russo e Sergio Del Prete

scene Lucia Imperato
costumi Chiara Aversano
disegno luci Salvatore Palladino
progetto sonoro Alessio Foglia

regia Gabriele Russo

produzione Fondazione Teatro di Napoli – Teatro Bellini

Jennifer è un travestito romantico che abita in un quartiere popolare della Napoli degli anni ‘80. Chiuso in casa per aspettare la telefonata di Franco, l’ingegnere di Genova di cui è innamorato, gli dedica continuamente Se perdo te di Patty Pravo alla radio che, intanto, trasmette frequenti aggiornamenti sul serial killer che in quelle ore uccide i travestiti del quartiere. Gabriele Russo affronta per la prima volta un testo di Ruccello – scegliendo il più simbolico, quello che nel 1980 impose il drammaturgo all’attenzione di pubblico e critica. Il regista ci preannuncia una messinscena dall’estetica potente, fedele al testo e, dunque, alle intenzioni dell’autore «ci atteniamo alle rigide regole e alle precise indicazioni che ci dà Ruccello stesso – racconta Russo – cercando di attraversare, analizzare, capire sera per sera, replica dopo replica un testo strutturalmente perfetto, che delinea un personaggio così pieno di vita che pare ribellarsi alla mano di una regia che vuole piegarlo alla propria personalissima visione. Non è un testo su cui sovrascrivere ma in cui scavare, per tirare fuori sottotesti, possibilità, suggestioni, dubbi». In scena, un inedito Daniele Russo, affiancato da Sergio Del Prete in un allestimento che restituirà tutta la malinconia del testo senza sacrificarne l’irresistibile umorismo.

Se ci si ferma a pensare, l’unica scelta sensata è quella di non azzardarsi a toccare un testo come Le cinque rose di Jennifer di Annibale Ruccello. È una pietra miliare del teatro, un testo che quanto più lo si legge e approfondisce tanto più ti penetra, ti entra nell’immaginario, si cristallizza nei pensieri e si deposita nell’inconscio. Anche solo dopo averlo letto (caso raro poiché sappiamo che “il teatro non si legge”) Jennifer smette di essere il personaggio di un testo teatrale per farsi carne e ossa, sangue e sentimenti. Una persona viva, sempre esistita. Qualcosa che ti appartiene, che è dentro di te, nei tuoi sentimenti, nella tua cultura, nei tuoi suoni, nel tuo immaginario. Qualcosa di ancestrale, di antico e moderno, che risuona tutti i giorni dentro di noi, su un palcoscenico, nei vicoli della città o nelle pagine di un libro. Jennifer è il diavolo e l’acqua santa. Eterna contraddizione. Paradigma dell’ambiguità napoletana.
Questa sensazione di appartenenza è quella che soltanto i personaggi dei grandi classici riescono a restituire, quelli che, come fantasmi, si aggirano quotidianamente nelle segrete di tutti i teatri, anche quando in scena si recitano testi contemporanei.
È un testo che è Napoli stessa e dunque punto di riferimento, mito e desiderio di tutta la Napoli teatrale che ne conosce le battute a memoria. È un testo che, come tutti i classici ma in modo forse ancor più radicale, vediamo anche attraverso quello che è già stato, nella voce e nei corpi di chi già lo ha interpretato, primo fra tutti Ruccello stesso. Questi elementi, però, sono anche quelli che ci spingono a rimetterlo in scena, ad accostarci al suo mito, al suo fantasma, con rispetto ma anche liberi da sovrastrutture, poiché apparteniamo alla generazione che non ha vissuto Ruccello negli anni in cui era in vita, non abbiamo vissuto il lutto della sua prematura scomparsa: pertanto, scriviamo su di noi attraverso di lui. Per farlo, ci atteniamo alle rigide regole e alle precise indicazioni che ci dà l’autore stesso, cercando di attraversare, analizzare, capire sera per sera, replica dopo replica un testo strutturalmente perfetto, che delinea un personaggio così pieno di vita che pare ribellarsi alla mano di una regia che vuole piegarlo alla propria personalissima visione. Non è un testo su cui sovrascrivere ma in cui scavare, per tirare fuori sottotesti, possibilità, suggestioni, dubbi. Ad esempio, Anna, il travestito che va a trovarla a casa, chi è? Una proiezione di Jennifer? Il suo inconscio? L’assassino del quartiere? Gli omicidi stanno accadendo realmente? Le telefonate sono vere o inventate? Quel che accade è vero o è tutto nell’immaginario di Jennifer? Ecco perché nella nostra messinscena Anna è presente sul palco tutto il tempo dello spettacolo, osserva Jennifer dall’esterno, si aggira come uno spettro intorno alla casa (l’isola) su cui Jennifer galleggia e vive la sua intimità. È il suo specchio. Queste domande, queste sospensioni sostengono l’atmosfera fra il thriller ed il noir tanto cara a Ruccello, che noi cercheremo di amplificare al fine di creare quella tensione che richiede un testo fatto di telefonate e attese. Un testo che “rimanda” a Pinter o a Beckett…Confesso di aver immaginato anche di metterlo in scena come Giorni Felici, con la sola testa di Jennifer che fuoriusciva da un telo che avrebbe rappresentato il Vesuvio. Ma poi… perché? I temi e i livelli di lettura non sono univoci, non possono essere ingabbiati ed intellettualizzati. Le cinque rose di Jennifer racconta di due travestiti napoletani ma racconta anche e soprattutto la solitudine, la solitudine che è il rovescio della medaglia della speranza che Jennifer mantiene dentro di sè fino alla fine e, dal mio punto di vista, oggi racconta con forza anche la condizione dell’emarginato, quella di chi si deve nascondere. Ecco perché in questa nostra messinscena Jennifer al suo ingresso in casa non vestirà panni che dichiarano la sua condizione femminile ma si nasconderà in abiti apparentemente maschili, trasformandosi solo nell’intimità casalinga, in cui è libera di essere o di provare a essere. La trasformazione è un tema centrale della nostra messinscena: il travestire più che il travestito, il che ci lega anche alla città ed ai mille modi in cui essa si “copre” e “agghinda”. Jennifer si traveste, come un attore, come Napoli. Jennifer si trasforma, come un attore, come Napoli. È fragile, come un attore, come Napoli. Prova, come un attore, non come Napoli, che non ci prova nemmeno.
L’estetica della messinscena, sarà nel segno del Kitsch, un aspetto che Ruccello tiene ad evidenziare fin dalle prime didascalie, che rimanda a uno stile e a un linguaggio specifici. Per spiegarmi meglio, prendo a prestito le parole di Kundera, secondo il quale «Nel regno del Kitsch impera la dittatura del cuore. […] Il Kitsch elimina dal proprio campo visivo tutto ciò che nell’esistenza umana è essenzialmente inaccettabile.» è un mondo di sentimenti, dove vige la dittatura del cuore e, nel caso di Jennifer, la solitudine. Le restano solo gli oggetti e le fantasie a cui aggrapparsi per non sprofondare nel vuoto, nelle mancanze, nelle ansie, nelle angoscia. L’estetica del Kitsch è finzione, così Jennifer finge con gli altri e con se stessa fino alle estreme conseguenze, respinge dal proprio campo visivo ciò che è essenzialmente inaccettabile. In tal senso è una vera attrice, perché finge talmente bene da essere vera.

Gabriele Russo

dal 7 al 12 marzo 2023 Bologna – Arena del Sole – Sala Salmon
21 marzo 2023 Eboli – Teatro Italia
22 marzo 2023 Agropoli – Teatro Eduardo
23 marzo 2023 Capua – Teatro Eduardo
dal 24 al 26 marzo 2023 Caserta – Comunale di Caserta – Teatro Parravano
dall’11 al 16 aprile 2023 Roma – Teatro Vascello

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di Dale Wasserman

dall’omonimo romanzo di Ken Kesey
traduzione Giovanni Lombardo Radice
adattamento Maurizio de Giovanni

con
Daniele Russo 
e con
Mauro Marino
Viviana Lombardo
Giacomo Rosselli
Emanuele Maria Basso
Alfredo Angelici
Daniele Marino
Gilberto Gliozzi 
Gaia Benassi
Sergio Del Prete
Antimo Casertano
Renato Bisogni

Aiuto regia Emanuele Maria Basso/ Assistente alla regia Gaia Benassi/ Foto di scena Francesco Squeglia/ Direttore di allestimento Antonio Verde/ Macchinista Francesco Rubinacci/ Fonico Diego Olimpo/ Datore luci Alessandro Caso, Luca Sabatino/ Sarta Anna Marino/ Scenotecnica Shaper Scene srl – Pomezia/ Costumi RO.CA.GI – Ercolano/Vintage shoes – Ercolano/sartoria Ottaviano – Roma/ Service luci e fonica MacService/ Trasporti Celani/ Ufficio stampa Katia Prota/ Ufficio produzione Noemi Ranaulo, Giuseppe Maisto/ Distribuzione Patrizia Natale/ Organizzazione generale Roberta Russo

produzione Fondazione Teatro di Napoli – Teatro Bellini, Teatro Biondo Palermo

Qualcuno volò sul nido del cuculo è il romanzo che Ken Kesey pubblicò nel 1962 dopo aver lavorato come volontario in un ospedale psichiatrico californiano. Narra, attraverso gli occhi di Randle McMurphy, uno sfacciato delinquente che si finge matto per sfuggire alla galera, la vita dei pazienti di un manicomio statunitense e il trattamento coercitivo che viene loro riservato. Nel 1971 Dale Wasserman ne realizzò, per Broadway, un adattamento scenico, che costituì la base della sceneggiatura dell’omonimo film di Miloš Forman, interpretato da Jack Nicholson e entrato di diritto nella storia del cinema. Oggi, la drammaturgia di Wasserman torna in scena, rielaborata dallo scrittore Maurizio de Giovanni, che, senza tradirne la forza e la sostanza visionaria, l’avvicina a noi, cronologicamente e geograficamente. Randle McMurphy diventa Dario Danise e la sua storia e quella dei suoi compagni si trasferiscono nel 1982, nell’Ospedale psichiatrico di Aversa. Alessandro Gassmann, dirigendo un cast eccezionale, dà vita ad un allestimento personalissimo, elegante, contemporaneo, il cui risultato è uno spettacolo appassionato, commovente e divertente, imperdibile, per la sua estetica dirompente e per la sua forte carica emotiva e sociale. 

La malattia, la diversità, la coercizione, la privazione della libertà sono temi che da sempre mi coinvolgono e che amo portare in scena con i miei spettacoli. Temi tutti straordinariamente presenti nello spettacolo che mi accingo a mettere in scena, “Qualcuno volò sul nido del cuculo” di Dale Wasserman, tratto dall’omonimo romanzo di Ken Kesey, la cui versione cinematografica diretta da Miloš Forman è entrata di diritto nella storia del cinema. 

Con Maurizio de Giovanni, che ha curato l’adattamento del testo, abbiamo deciso di ambientare la vicenda in una clinica psichiatrica italiana nel 1982. Tutto ha inizio con l’arrivo di un nuovo paziente che deve essere “studiato” per determinare se la sua malattia mentale sia reale o simulata. La sua spavalderia, la sua irriverenza e il suo spirito di ribellione verso le regole che disciplinano rigidamente la vita dei degenti, porterà scompiglio e disordine ma allo stesso tempo la sua travolgente carica di umanità contagerà gli altri pazienti e cercherà di risvegliare in loro il diritto di esprimere liberamente le loro emozioni e i loro desideri.

Dario (il mio McMurphy) è un ribelle anticonformista che comprende subito la condizione alla quale sono sottoposti i suoi compagni di ospedale, creature vulnerabili, passive e inerti. Da quel momento si renderà paladino di una battaglia nei confronti di un sistema repressivo, ingiusto, dannoso e crudele, affrontando così anche un suo percorso interiore che si concluderà tragicamente ma riscatterà una vita fino ad allora sregolata e inconcludente. E, attraverso di lui, i pazienti riusciranno ad individuare qualcosa che continua ad esser loro negato: la speranza di essere compresi, di poter assumere il controllo della propria vita, la speranza di essere liberi.

Un testo che è una lezione d’impegno civile, uno spietato atto di accusa contro i metodi di costrizione e imposizione adottati all’interno dei manicomi ma anche, e soprattutto, una straordinaria metafora sul rapporto tra individuo e Potere costituito, sui meccanismi repressivi della società, sul condizionamento dell’uomo da parte di altri uomini. Un grido di denuncia che scuote le coscienze e che fa riflettere. 

Come sempre lavorerò sui complessi rapporti psicologici tra i vari personaggi, immergendoli in uno spazio scenico realistico e asettico. 

In questo caso, le videografie, che spesso utilizzo nei miei spettacoli, mi permetteranno di tradurre in immagini i sogni e le allucinazioni dei cosiddetti “diversi”. L’obiettivo che mi pongo è, come sempre, quello di riuscire a far emozionare un pubblico di ogni età, soprattutto i più giovani che forse non conoscono quest’opera che è un vero e proprio inno alla libertà.

Alessandro Gassmann

dal 20 al 30 ottobre 2022 Palermo – Teatro Biondo
dal 3 al 13 novembre 2022 Roma – Sala Umberto
29 novembre 2022 Narni – Teatro Manini
30 novembre 2022 Montegiorgio – Teatro Alaleona
dall’1 al 4 dicembre 2022 Ancona – Teatro delle Muse

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“I titoli sono spesso un richiamo, ma Alessandro Gassmann non ha teatralizzato il film Qualcuno volò sul nido del cuculo. […] L’obiettivo dello spettacolo è, tra energia poetica e congestionato (anche troppo) impegno, qualcosa che fa pensare a La corsia n.6 di Cechov e La pecora nera di Ascanio Celestini.”

Rodolfo di Giammarco, la Repubblica

“[…] la solitudine, l’infelicità, l’inadeguatezza, la voglia e l’impossibilità di vita e di libertà, o almeno di un cambiamento, anche minimo, pur senza la rassegnazione di una condizione che, forse, non può mutare. Sebbene rassicurato dal fatto stesso di assistere a una rappresentazione teatrale, sono sensazioni queste che la regia di Gassmann non lascia nel vago e di cui resta traccia nello spettatore se non altro perché si accordano con l’attualità.”

Valeria Chianese, Avvenire

“[…] Qualcuno volò sul nido del cuculo rappresenta una proposta di notevole chiamata per più interessi, sia dovuti a una popolarità in origine, sia a richiami intercettati da questa versione. […] Lo spettatore scorgerà sogni falliti, slanci anomali, miraggi femminili surreali, fino a un epilogo di grosso, travolgente effetto. Dimenticatevi i film, questo è un lavoro dal vivo.”

Rodolfo di Giammarco, Roma

La Cupa di Mimmo Borrelli si svolge in una notte, quella di Sant’Antonio e il suo fucarazzo, quando secondo gli antichi, gli animali potevano parlare agli uomini, ma con un prezzo da pagare, sventura e dannazione. Ma Innocente Crescenzo e il suo maiale non possono che espiare, da sopravvissuti, ogni anno le sorti della degenerazione umana. Una “favola” di uomini che come gli animali agiscono, ma con “lo sterco della ragione”, e animali che invece agli istinti sottopongono la ragione impossibilitati ad agire in modo perverso.

Tutto viene evocato in una notte, nella notte di Sant’Antonio e il suo fucarazzo, quando secondo gli antichi, gli animali potevano parlare agli uomini, ma con un prezzo da pagare, chi li ascoltava aveva in dote sventura e dannazione. Ma Innocente Crescenzo e il suo maiale Ciaccone non possono che espiare, da sopravvissuti, ogni anno le sorti di una saga bastarda della degenerazione umana: favola di uomini che come gli animali agiscono, ma con lo sterco della ragione e gli animali che agli istinti sottopongo la ragione non possono che agire in modo perverso.

 La trama è un fittizio e afflitto mondo altrove dove si scontrano i pianeti porosi di una saga dalle colpe sepolte tra anfratti, strati geologici, fatti aneddoti ed incavi, il cui confine della memoria è smunto e levigato, da anni, venti malsani ed epoche di misfatti e di peccati originali. 

Trama incastonata nel cuore buono e generoso un tempo, del suo protagonista in negativo Giosafatte ’Nzamamorte: sempre attento al prossimo, ma comunque sia, morto dall’amarezza e la fuliggine in cristalli di tufo porosi di rettitudine. Un uomo buono, retto, sorretto dalla coscienza di un passato inquieto, indecifrato, burrascoso, folle dal quale ha preso distanza, con il rispetto verso la dimenticanza di una memoria sepolta. Memoria, la quale se scavata, come i blocchi che di giorno in giorno vengono estratti dalla sua cava restituendone, in calce morta, cadaveri, potrebbe esplodere e franare in modo dirompente.

La memoria è la famiglia perduta di Giosafatte ’Nzamamorte e la sua moglie Bianca.
Quella dei figli di Giosafatte violentati e uccisi, vent’anni prima a sua insaputa, dal suo più acerrimo amico, ignoto nemico Tommasino Scippasalute.
Quella di Scippasalute la sua pedofilia e l’odio riposto e celato nei confronti dell’eterno amico Giosafatte, amico dell’infamia e beone di sventura.
Lo scontro atavico e dalle difformi e dilavanti collere in frana, delle famiglie e degli antenati di Tommasino Scippasalutedefraudati e ridotti alla rovina dalla famiglia ’Nzamamorte.
Quella del suicidio di Maria delle Papere, figlia di Giosafatte.
Quella della follia di ’Nzamamorte, una volta perduti i figli e moglie suicida, per sua imperdonabile negligenza: dell’elaborazione di un traffico di organi di bambini, cresciuti ed allevati per divenire cavie e carcasse in carne di un lucroso e deplorevole orrore.
Quella delle povere donne dell’est contattate e fecondate a pagamento, per divenire involucri, incubatrici in orge “baccaiate” dal tufo, di organi da rivendere al mercato.

Scippasalute è un intagliatore abilissimo, un mastro sia scalpellino (masto attuzzature), che “per pensamento”, cioè sa individuare seguendo il suo infallibile fiuto dove intagliare i blocchi di tufo di una qualsiasi cava, in termini sia di sicurezza per i “cavatori”, evitandone smottamenti e frane, che di utilità geografica e logistica attraverso l’arte del “pezzamento”. Un tempo, suo nonno Sanzone, era il possessore di quella cava, ma andato in disgrazia, per la perdita di un braccio dovette rivenderla al padre di ’Nzamamorte, per i troppi debiti. Una vita spesa a pagare un debito senza riavere la terra a te tolta, la terra, la polvere alla quale tornerai e che nel suo sporco rende visibili gl’invisibili, quella terra vista e concepita come una moglie, na zita da sposare, intoccabile e sacra. Da allora tale sfregio d’onore è rimasto sopito in Scippasalute, seppur sottopelle. Vuole ripossedere tutto, ripossedere, sottrarre blocco per blocco ogni bene, per tramutarlo, ricostruirlo pietra per pietra, catozza per catozza, pretecagna per pretecagna, in orditi di male. Ripossedere la vita di stenti mancata e amputata dalle fatiche.

Nella cava si aggira, da alcuni tempi, una sorta di clochard, un barbone obeso dalla vita, sempre con i suoi giornali e quotidiani, finanche una radiolina che cerca di continuo di regolare al cielo, un uomo misterioso, ma bonario, dalla fisicità inquietante, ma lo sguardo innocente di bambino, dalla personalità a tratti lucidissima, dalla mole “orsuta” nella sua andatura dinoccolata e sorniona, a tratti, assolutamente intrattabile, causa la sua propensione al bere vino e vino scadente che nella cava, i dipendenti “cavatori” e “tagliamonti” gli forniscono di solito. Intelligentissimo e acculturato dice di essere fuggito da un seminario in cui da bambino era stato sottratto dalla strada avviato agli studi umanistici, da alcuni monaci illuminati, presso Foggia; detto il latinista, sempre prodigo di massime tra il cinico e la vitalità dell’amarezza, si auto presenta sempre allo stesso modo:
Innocente Zacchiele Crescenzo.
Uomo di pace e di buon senzo.

È molto amico di ’Nzamamorte, parla spesso con lui di teologia e filosofia di vita: accomunati entrambi da un passato inconoscibile, sembrano essere legati da un affetto burbero, ma quasi reciprocamente familiare; terribilmente scortese e snob con tutti gli altri cavatori della cava, con lui gli s’illuminano gli occhi. È anche e soprattutto legatissimo a Maria delle Papere, ha con lei un atteggiamento protettivo, quasi fraterno che malignamente, dalle voci traverse della cava viene spesso frainteso come un amore a dir poco fuligginoso e deviato, ma non è propriamente così.

Innocente Crescenzo è disperato, lui è il testimone di una tragedia sepolta nel tempo, lui un Edipo/Oreste tornato, non per uccidere il padre, ma per riconoscerlo e riconoscersi nel figlio scomparso, anche per morire per lui, anche per vendicarsi per lui e vendicarsi di un male vecchio di trent’anni. Ecco le radici dell’ultimo duello, in cui si evince un peccato originale che non potrà mai essere lavato, ma solo in parte vendicato. Innocente Crescenzo, altro non è che Giuseppe il più grande, di tre fratelli, il secondogenito Mimmo e la neonata da pochi mesi Maria, tutti figli di Giosafatte ’Nzamamorte. Siamo alla fine degli anni 50, Giosafatte aveva appena ventidue anni e si era da poco sposato con Bianca. I due coniugi con fatica e stenti, in pochi anni erano riusciti a edificare una casetta su un podere all’isola di Procida di fronte alla Cava che affaccia sul litorale di Torregaveta. Lì, in quell’angolo immutato e immacolato di paradiso, volevano trasferire le loro gioie, i loro tre angioletti, per tenerli lontani e immacolati da qualsiasi empietà e credenza localistica e provinciale, volevano crescerli nel benessere e a distanza dalle sofferenze della comunità. Ma quel giorno Giosafatte fece male i conti: lasciò Bianca e Maria a terra e partì prima con i due figliocci rispettivamente di cinque e otto anni poi tornò a Torregaveta, per recuperare il resto della famiglia. Solo otto anni aveva Crescenzo fu Giuseppe, solo otto anni, per combattere di già con i lupi, perché un maltempo imprevisto e incredibile costrinse Giosafatte a rimanere a terra al secondo viaggio. Ma ancora una volta quel diavolo di Scippasalute ubriaco e beone, manomise la barca dell’amico e s’insinuò nella casa, dove per tre giorni seviziò i due bambini, portandone uno alla morte per fame e stenti, l’altro invece, Crescenzo fu Giuseppe, al secondo giorno scomparve, rifugiandosi in una nave da carico adibita al trasporto del tufo diretta in Puglia.
Al ritrovamento del cadavere di Mimmo e la scomparsa di Giuseppe, Bianca impazzisce, prima accecando in modo irrecuperabile la figlia Maria, poi togliendosi la vita scaraventandosi dalla montagna di Miseno. ’Nzamamorte rimane unico custode di questo osceno misfatto. Lì rinnegando la sua paternità malsana, causa secondo lui di tutto ciò, decide di crescere la piccola Maria come una sorella. E inizia un’attività illecita circa il traffico di organi di bambini.

La polvere seduce e ricopre il monte, una cupa, una cava ricolma di morti che tornano.
Il destino vuole che Maria delle Papere di innamori del figlio di Scippasalute, da qui si avrà un nuovo inizio, quasi l’eterna saga del male contro il bene, che culminerà con una punizione della natura sull’uomo e le sue derive.
Crolla la cava, crolla il mondo, sotto le invidie di una società che non può più sostenersi sui pilastri dell’amore verso il prossimo, un amore sommerso dal dilavamento delle coscienze e dalla pioggia insistente della natura umana che tutto smuove male, neanche sottosopra come la natura farebbe nel rimettere le cose al suo posto.

Mimmo Borrelli

dal 16 al 20 novembre 2022 Torino – Fonderie Limone
dal 10 al 14 maggio 2023 Milano – Piccolo Teatro di Milano

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“Lo spettacolo più importante degli ultimi tre decenni. Uno dei tre capolavori del teatro Napoletano assieme a Gatta Cenerentola e Filumena Marturano”
Franco Cordelli, Corriere della Sera

“Capolavoro assoluto che cambia le sorti della scena”
Rodolfo Di Giammarco, Repubblica

“La cupa. Rituale primigenio di bellezza. Un pozzo senza fondo di sapienza e poesia teatrale […]  lo spettacolo più forte e violento degli ultimi anni […] Barbarico. Non c’è in esso un gesto, un movimento, un solo suono che non trasmetta significati.”
Enrico Fiore, Corriere del Mezzogiorno

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26 novembre 2022 Ortona – Teatro Tosti
27 novembre 2022 Castel Fiorentino – Teatro del Popolo
dal 30 novembre all’11 dicembre 2022 Roma – Teatro Ambra Jovinelli
10 marzo 2023 Urbino – Teatro Sanzio
11 e 12 marzo 2023 Macerata – Teatro Lauro Rossi
14 e 15 marzo 2023 Sarzana – Teatro Impavidi
16 marzo 2023 Montepulciano – Teatro Poliziano
17 marzo 2023 Cassino – Teatro Manzoni
18 marzo 2023 Montalto di Castro – Teatro Lea Padovani
19 marzo 2023 Teramo – Teatro Comunale
15 e 15 aprile 2023 Chieti – Teatro Marrucino

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13 novembre 2022 Narni – Teatro Manini
dal 15 novembre al 20 dicembre 2022 Roma – Teatro Vascello

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Il rito antico delle nozze. La liturgia che tradizionalmente legittima le unioni e lega gli amori a un vincolo simbolico, si rivela una straordinaria metafora scenica. Un rituale che, sapientemente scardinato, è capace di rappresentare il rapporto profondo, disordinato e vitale che ci lega al teatro. Ai suoi meccanismi, alle sue architetture. Ai suoi infiniti mondi possibili. 
Uno spettacolo che attinge al linguaggio cerimoniale e eccessivo dell’amore, al vero artificio del teatro. Che allora si rompano le barriere della logica, del criterio e della razionalità. Chissà che queste due parti non si lascino attraversare, infine, l’una dall’altra: Vita e Teatro. 
“Bisogna che lo spettatore abbia la sensazione che davanti a lui si rappresenta una scena della sua stessa esistenza, una scena veramente capitale. Chiediamo insomma al nostro pubblico un’adesione intima e profonda. La discrezione non fa per noi.” Antonin Artaud.
In Ardore Il matrimonio tra il Teatro e la Vita, Annalisa D’Amato dirige gli attori della Bellini Teatro Factory, firmando il testo assieme alle tre allieve drammaturghe.

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“Ardore è una produzione complessa, che vede personaggi originali e divertenti raccontare un’importante metafora dell’uomo che vuole disperatamente far aderire il teatro e la vita, con grande difficoltà perché «la vita chiama sempre, ma il teatro chiede tutto». Eppure riesce a comunicare questo messaggio con leggerezza e varietà, con grandissima potenza e tormentoni originali. Così si passa dalla disperazione di una madre per la striminzita location per il grande giorno della sua piccina, al racconto della prima critica teatrale, da un padre che parla del suo piccolo teatro, no al racconto inaspettatamente serio di un lontano cugino dal marcatissimo accento Texano.”
Chiara Leone, Eroica Fenice

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“Viva e morta, l’opera si realizza a metà tra due mondi: la partenza e il ritorno, l’infanzia e l’età adulta, il presente e la reminiscenza”
Chiara Aloia, Eroica Fenice

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“Una pièce ben fatta, che si conclude con una nuova alba per l’umanità, che vuole sensibilizzare il pubblico alla propria vita e a quella del prossimo, che invita ad ascoltare e che lascia che La cosa più rara sia proprio una ragione per vivere.”
Chiara Leone, Eroica Fenice

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“[…] la capacità degli attori di Generazione disagio è proprio quella di lanciare forti provocazioni mantenendo sempre un tono scanzonato, di inquietare agendo nel sotterraneo di una superficie di frizzi e lazzi, di far ridere lanciando dei macigni. Di rappresentare, fotografare in questo modo una desolazione generazionale con gli strumenti e i mezzi espressivi propri di questa stessa generazione.”

Giampiero Raganelli – teatroteatro.it

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